De la préhistoire et de la Renaissance au modernisme du XXe siècle et au présent, nous classons les meilleures sculptures de tous les temps
Il y a une vieille blague selon laquelle la sculpture est ce que vous rencontrez lorsque vous reculez pour mieux voir une peinture, mais la sculpture exige une forme d’engagement plus réelle qu’un objet en deux dimensions dans un cadre. C’est parce que peu importe où vous pourriez le rencontrer – comme une statue dans Central Park , par exemple, ou comme un projet d’art public , ou dans le cadre de la collection du Met , du MoMA ou du Guggenheim: La sculpture partage toujours le même espace tridimensionnel que vous. Au lieu de regarder une toile ou de dessiner à partir d’une position plus ou moins fixe, les sculptures sont destinées à être vécues en rond, vous obligeant à changer de point de vue lorsque vous interagissez avec elles. Depuis des temps immémoriaux, les sculpteurs ont exploré cette relation entre le spectateur, l’espace et l’objet matériel d’une myriade de façons – comme vous pouvez le voir dans notre liste des sculptures les plus célèbres de tous les temps.
Top sculptures célèbres de tous les temps
1. Vénus de Willendorf, 28 000 à 25 000 avant JC
La sculpture de l’histoire de l’art, cette minuscule figurine mesurant un peu plus de quatre pouces de hauteur a été découverte en Autriche en 1908. Personne ne sait à quelle fonction elle servait, mais les conjectures ont varié de la déesse de la fertilité à l’aide à la masturbation. Certains chercheurs suggèrent qu’il s’agissait peut-être d’un autoportrait réalisé par une femme. C’est le plus célèbre de nombreux objets de ce type datant de l’âge de pierre.
2. Buste de Néfertiti, 1345 avant JC
Ce portrait est un symbole de la beauté féminine depuis sa découverte en 1912 dans les ruines d’Amarna, la capitale construite par le pharaon le plus controversé de l’histoire de l’Égypte ancienne: Akhenaton. Montant sur le trône en tant qu’Amenhotep IV, Akhenaton a changé son nom dans le cadre de sa décision de renverser le panthéon établi des dieux égyptiens pour fonder sa propre religion: un culte monothéiste consacré au dieu soleil Aton, qui était représenté comme un disque abstrait dans les sculptures. et peintures murales. La vie de sa reine, Néfertiti, est quelque peu mystérieuse: on pense qu’elle a régné en tant que Pharaon pendant un certain temps après la mort d’Akhenaton – ou plus probablement, en tant que co-régent du Boy King Toutankhamon. Un égyptologue pense qu’elle était en fait la mère de Tut. Dans tout les cas, sa momie n’a jamais été retrouvée bien que des recherches récentes suggèrent qu’elle pourrait être enterrée dans une pièce scellée derrière un mur de la tombe de Tut. Ce buste en calcaire enduit de stuc serait l’œuvre de Thutmose, le sculpteur de la cour d’Akhenaton. Distingué par un style naturaliste qui s’écarte du caractère habituellement stylisé de l’art égyptien antique, le buste a été fouillé par une équipe archéologique allemande et ramené en Allemagne. Il résidait à Berlin avant la Seconde Guerre mondiale et est maintenant considéré comme un symbole de la ville. le buste a été fouillé par une équipe archéologique allemande et ramené en Allemagne. Il résidait à Berlin avant la Seconde Guerre mondiale et est maintenant considéré comme un symbole de la ville. le buste a été fouillé par une équipe archéologique allemande et ramené en Allemagne. Il a résidé à Berlin avant la Seconde Guerre mondiale et est maintenant considéré comme un symbole de la ville.
3. L’armée de terre cuite, 210–209 avant JC
Découverte en 1974, l’armée de terre cuite (sans doute la découverte la plus étonnante de toute l’histoire archéologique) est une énorme cache de statues d’argile enterrées dans trois fosses massives près de la tombe de Shi Huang, le premier empereur de Chine, décédé en 210 avant JC. Destiné à le protéger dans l’au-delà, l’armée serait, selon certaines estimations, au nombre de plus de 8 000 soldats avec 670 chevaux et 130 chars. Chacun est grandeur nature, bien que la taille réelle varie en fonction du grade militaire. Bien que les caractéristiques de chaque soldat semblent uniques, elles sont en fait basées sur 10 formes faciales de base, qui font partie d’un processus de chaîne de montage dans lequel les artisans ont utilisé des moules pour fabriquer les figurines en segments séparés avant de les assembler avec une argile diluée appelée slip . Les soldats ont ensuite été équipés d’armes réelles (lances, épées, etc.) et peints de couleurs vives,
4. Laocoön et ses fils, deuxième siècle avant JC
Peut-être la sculpture la plus célèbre de l’antiquité romaine, Laocoön et ses fils, a été découverte à Rome en 1506 et transférée au Vatican, où elle réside encore aujourd’hui. Il est basé sur le mythe d’un prêtre de Troie tué avec ses fils par des serpents de mer envoyés par le dieu de la mer Poséidon en guise de rétribution pour la tentative de Laocoon d’exposer la ruse du cheval de Troie. Installé à l’origine dans le palais de l’empereur Titus, ce groupement figuratif grandeur nature, attribué à un trio de sculpteurs grecs de l’île de Rhodes, est sans égal en tant qu’étude de la souffrance humaine.
5. Michelangelo, David, 1501-1504
L’une des œuvres les plus emblématiques de toute l’histoire de l’art, le David de Michel-Ange a ses origines dans un projet plus vaste visant à décorer les contreforts de la grande cathédrale de Florence, le Duomo, avec un groupe de personnages tirés de l’Ancien Testament. Le Davidétait un, et a été effectivement commencé en 1464 par Agostino di Duccio. Au cours des deux années suivantes, Agostino a réussi à dégrossir une partie de l’énorme bloc de marbre taillé dans la célèbre carrière de Carrare avant de s’arrêter en 1466. (Personne ne sait pourquoi.) Un autre artiste a pris le relais, mais lui aussi, seulement travaillé brièvement dessus. Le marbre est resté intact pendant les 25 années suivantes, jusqu’à ce que Michel-Ange recommence à le sculpter en 1501. Il avait 26 ans à l’époque. Une fois terminé, le David pesait six tonnes, ce qui signifie qu’il ne pouvait pas être hissé sur le toit de la cathédrale. Au lieu de cela, il a été exposé juste à l’extérieur de l’entrée du Palazzo Vecchio, l’hôtel de ville de Florence. La figure, l’une des distillations les plus pures du style de la Haute Renaissance, a été immédiatement embrassée par le public florentin comme un symbole de la propre résistance de la cité-état contre les pouvoirs opposés. En 1873,David a été transféré à la Galerie de l’Académie et une réplique a été installée à son emplacement d’origine.
6. Gian Lorenzo Bernini, Extase de sainte Thérèse, 1647–1652
Reconnu comme un créateur du style baroque romain élevé, Gian Lorenzo Bernini a créé ce chef-d’œuvre pour une chapelle de l’église Santa Maria della Vittoria. Le baroque était inextricablement lié à la contre-réforme par laquelle l’Église catholique tentait d’endiguer la vague de protestantisme qui déferlait dans l’Europe du XVIIe siècle. Des œuvres comme celle de Bernini faisaient partie du programme de réaffirmation du dogme papal, bien servi ici par le génie du Bernin pour imprégner les scènes religieuses de récits dramatiques. L’extase en est un exemple: son sujet – Sainte Thérèse d’Ávila, une religieuse carmélite espagnole et mystique qui a raconté sa rencontre avec un ange – est représenté au moment où l’ange est sur le point de plonger une flèche dans son cœur. ExtaseLes connotations érotiques de la nonne sont indéniables, le plus manifestement dans l’expression orgasmique de la religieuse et le tissu tordu enveloppant les deux personnages. Architecte comme tout artiste, Bernini a également conçu le décor de la Chapelle en marbre, stuc et peinture.
7. Antonio Canova, Persée à la tête de Méduse, 1804–6
L’artiste italien Antonio Canova (1757–1822) est considéré comme le plus grand sculpteur du XVIIIe siècle. Son travail incarnait le style néoclassique, comme vous pouvez le voir dans son interprétation en marbre du héros mythique grec Persée. Canova a en fait réalisé deux versions de la pièce: l’une réside au Vatican à Rome, tandis que l’autre se trouve à la Cour européenne des sculptures du Metropolitan Museum of Art.
8. Edgar Degas, Le petit danseur de quatorze ans, 1881/1922
Alors que le maître impressionniste Edgar Degas est surtout connu comme peintre, il a également travaillé dans la sculpture, produisant ce qui était sans doute l’effort le plus radical de son œuvre. Degas a façonné Le petit danseur de quatorze ans en cire (à partir de laquelle des copies en bronze ultérieures ont été coulées après sa mort en 1917), mais le fait que Degas ait habillé son sujet éponyme dans un costume de ballet réel (complet avec corsage, tutu et pantoufles ) et la perruque de vrais cheveux ont fait sensation lorsque Dancer a fait ses débuts à la sixième exposition impressionniste de 1881 à Paris. Degas a choisi de couvrir la plupart de ses embellissements en cire pour correspondre au reste des traits de la fille, mais il a gardé le tutu, ainsi qu’un ruban attachant ses cheveux, pour ainsi dire, faisant de la figure l’un des premiers exemples d’objet trouvé art.Dancer était la seule sculpture que Degas ait exposée de son vivant; après sa mort, 156 autres exemplaires ont été trouvés languissant dans son atelier.
9. Auguste Rodin, Les Bourgeois de Calais, 1894–1885
Alors que la plupart des gens associent le grand sculpteur français Auguste Rodin au Penseur , cet ensemble commémorant un incident de la guerre de Cent Ans (1337-1453) entre la Grande-Bretagne et la France est plus important dans l’histoire de la sculpture. Commandé pour un parc dans la ville de Calais (où un siège d’un an par les Anglais en 1346 a été levé lorsque six anciens de la ville se sont offerts pour exécution en échange d’épargner la population), les Burghers ont évité le format typique des monuments à la temps: Au lieu de personnages isolés ou empilés en pyramide au sommet d’un haut piédestal, Rodin a assemblé ses sujets grandeur nature directement sur le sol, au niveau du spectateur. Cette évolution radicale vers le réalisme rompt avec le traitement héroïque habituellement accordé à ces travaux extérieurs. AvecLes Burghers , Rodin a fait l’un des premiers pas vers la sculpture moderne.
10. Pablo Picasso, guitare, 1912
En 1912, Picasso a créé une maquette en carton d’une pièce qui aurait un impact démesuré sur l’art du XXe siècle. Toujours dans la collection du MoMA, il représente une guitare, un sujet souvent exploré par Picasso en peinture et en collage, et à bien des égards, Guitar a transféré les techniques de copier-coller du collage de deux dimensions à trois. Il a fait de même pour le cubisme, en assemblant des formes plates pour créer une forme aux multiples facettes avec à la fois profondeur et volume. L’innovation de Picasso a été d’éviter la sculpture et la modélisation conventionnelles d’une sculpture à partir d’un massif. Au lieu de cela, Guitar a été attaché ensemble comme une structure. Cette idée résonnerait du constructivisme russe au minimalisme et au-delà. Deux ans après avoir fait la guitareen carton, Picasso a créé cette version en étain ciselé.
11. Umberto Boccioni, Formes uniques de continuité dans l’espace, 1913
De ses débuts radicaux à sa dernière incarnation fasciste, le futurisme italien a choqué le monde, mais aucune œuvre n’a illustré le pur délire du mouvement que cette sculpture par l’un de ses phares: Umberto Boccioni. D’abord peintre, Boccioni s’est tourné vers le travail en trois dimensions après un voyage à Paris en 1913 au cours duquel il a visité les ateliers de plusieurs sculpteurs avant-gardistes de l’époque, tels que Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon et Alexander Archipenko. Boccioni a synthétisé leurs idées dans ce chef-d’œuvre dynamique, qui dépeint une figure marchant dans une «continuité synthétique» du mouvement comme Boccioni l’a décrit. La pièce a été créée à l’origine en plâtre et n’a été coulée dans sa version en bronze familière qu’en 1931, bien après la mort de l’artiste en 1916 en tant que membre d’un régiment d’artillerie italien pendant la Première Guerre mondiale.
12. Constantin Brancusi, Mlle Pogany, 1913
Né en Roumanie, Brancusi était l’un des sculpteurs les plus importants du modernisme du début du XXe siècle – et en fait, l’une des figures les plus importantes de toute l’histoire de la sculpture. Sorte de proto-minimaliste, Brancusi a pris des formes dans la nature et les a rationalisées en représentations abstraites. Son style était influencé par l’art populaire de son pays natal, qui présentait souvent des motifs géométriques vibrants et des motifs stylisés. Il ne fait pas non plus de distinction entre l’objet et la base, les traitant, dans certains cas, comme des composants interchangeables – une approche qui représente une rupture cruciale avec les traditions sculpturales. Cette pièce emblématique est un portrait de son modèle et amant, Margit Pogány, une étudiante en art hongroise rencontrée à Paris en 1910. La première itération a été sculptée dans le marbre, suivie d’une copie en plâtre à partir de laquelle ce bronze a été fabriqué. Le plâtre lui-même a été exposé à New York au légendaire Armory Show de 1913, où les critiques se sont moqués de lui et l’ont mis au pilori. Mais c’était aussi la pièce la plus reproduite de la série. Brancusi a travaillé sur diverses versions deMlle Pogany depuis une vingtaine d’années.
13. Duchamp, Roue de bicyclette, 1913
Roue de bicycletteest considéré comme le premier des readymades révolutionnaires de Duchamp. Cependant, lorsqu’il a terminé la pièce dans son atelier parisien, il ne savait vraiment pas comment l’appeler. «J’ai eu l’heureuse idée de fixer une roue de vélo à un tabouret de cuisine et de la regarder tourner», dira plus tard Duchamp. Il a fallu un voyage de 1915 à New York et une exposition à la vaste production de produits fabriqués en usine de la ville pour que Duchamp trouve le terme prêt à l’emploi. Plus important encore, il a commencé à voir que faire de l’art de manière traditionnelle et artisanale semblait inutile à l’ère industrielle. Pourquoi s’embêter, a-t-il affirmé, alors que des articles manufacturés largement disponibles pourraient faire le travail. Pour Duchamp, l’idée derrière l’œuvre était plus importante que la façon dont elle avait été réalisée. Cette notion – peut-être le premier véritable exemple d’art conceptuel – transformerait complètement l’histoire de l’art à l’avenir.Bicycle Wheel n’a pas survécu: cette version est en fait une réplique datant de 1951.
14. Alexander Calder, Calder’s Circus, 1926-1931
Un élément bien-aimé de la collection permanente du Whitney Museum, Calder’s Circus distille l’essence ludique qu’Alexander Calder (1898–1976) a apportée en tant qu’artiste qui a contribué à façonner la 20e sculpture. Le cirque , qui a été créé pendant le temps de l’artiste à Paris, était moins abstrait que ses «mobiles» suspendus, mais à sa manière, il était tout aussi cinétique: fait principalement de fil de fer et de bois, le cirque a servi de pièce maîtresse pour les performances d’improvisation , dans lequel Calder se déplaçait autour de diverses figures représentant des contorsionnistes, des avaleurs d’épée, des dompteurs de lions, etc., comme un maître de piste divin.
15. Aristide Maillol, L’Air, 1938
En tant que peintre et créateur de tapisseries ainsi que sculpteur, l’artiste français Aristide Maillol (1861–1944) pourrait être mieux décrit comme un néoclassique moderne qui a mis une version épurée du XXe siècle à la statuaire gréco-romaine traditionnelle. Il pourrait également être décrit comme un conservateur radical, mais il ne faut pas oublier que même des contemporains d’avant-garde comme Picasso ont produit des œuvres dans une adaptation de style néoclassique après la Première Guerre mondiale.Le sujet de Maillol était le nu féminin, et dans L’Air , il a créé un contraste entre la masse matérielle de son sujet et la façon dont elle semble flotter dans l’espace – équilibrant, pour ainsi dire, une physicalité obstinée avec une présence évanescente.
16. Yayoi Kusama, Accumulation No 1, 1962
Artiste japonaise qui travaille dans de multiples médiums, Kusama est arrivée à New York en 1957 pour revenir au Japon en 1972. Entre-temps, elle s’est imposée comme une figure majeure de la scène du centre-ville, dont l’art a touché de nombreuses bases, y compris le Pop Art, le minimalisme et l’art de la performance. En tant que femme artiste qui faisait souvent référence à la sexualité féminine, elle était également un précurseur de l’art féministe. Le travail de Kusama est souvent caractérisé par des schémas hallucinogènes et des répétitions de formes, une propension enracinée dans certaines conditions psychologiques – hallucinations, TOC – dont elle souffre depuis l’enfance. Tous ces aspects de l’art et de la vie de Kusuma se reflètent dans cette œuvre, dans laquelle un fauteuil ordinaire rembourré est assombri de manière déconcertante par une flambée de protubérances phalliques en tissu rembourré cousu.
17. Marisol, Women and Dog, 1963-1964
Connue simplement sous son prénom, Marisol Escobar (1930–2016) est née à Paris de parents vénézuéliens. En tant qu’artiste, elle s’est associée au Pop Art et plus tard à l’Op Art, bien que stylistiquement, elle n’appartienne à aucun des deux groupes. Au lieu de cela, elle a créé des tableaux figuratifs qui étaient censés être des satires féministes des rôles de genre, de la célébrité et de la richesse. Dans Women and Dog, elle aborde l’objectivation des femmes et la manière dont les normes de féminité imposées par les hommes sont utilisées pour les forcer à se conformer.
18. Andy Warhol, Brillo Box (Savons), 1964
La Brillo Box est peut-être la plus connue d’une série d’œuvres sculpturales créées par Warhol au milieu des années 60, qui ont effectivement pris son enquête sur la culture pop en trois dimensions. Fidèle au nom que Warhol avait donné à son atelier – l’usine – l’artiste a engagé des charpentiers pour travailler une sorte de chaîne de montage, clouant ensemble des boîtes en bois en forme de cartons pour divers produits, y compris Heinz Ketchup, Kellogg’s Corn Flakes et Campbell’s Soup, comme bien tampons de savon Brillo. Il a ensuite peint chaque boîte d’une couleur correspondant à l’original (blanc dans le cas de Brillo) avant d’ajouter le nom du produit et le logo en sérigraphie. Créées en multiples, les boîtes étaient souvent présentées en grandes piles, transformant efficacement la galerie dans laquelle elles se trouvaient en un fac-similé hautement culturel d’un entrepôt. Leur forme et leur production en série étaient peut-être un clin d’œil ou une parodie du style minimaliste alors naissant. Mais le vrai point deBrillo Box est la façon dont son rapprochement étroit avec la chose réelle subvertit les conventions artistiques, en laissant entendre qu’il n’y a pas de réelle différence entre les produits manufacturés et le travail de l’atelier d’un artiste.
19. Donald Judd, Sans titre (Pile), 1967
Le nom de Donald Judd est synonyme de Minimal Art, le mouvement du milieu des années 60 qui a distillé la tension rationaliste du modernisme jusqu’à l’essentiel. Pour Judd, la sculpture signifiait articuler la présence concrète de l’œuvre dans l’espace. Cette idée a été décrite par le terme «objet spécifique», et tandis que d’autres minimalistes l’ont adopté, Judd a sans doute donné à l’idée sa plus pure expression en adoptant la boîte comme forme de signature. Comme Warhol, il les produit sous forme d’unités répétitives, en utilisant des matériaux et des méthodes empruntés à la fabrication industrielle. Contrairement aux boîtes de soupe de Warhol et aux Marilyns, l’art de Judd ne faisait référence à rien en dehors de lui-même. Ses «piles» font partie de ses pièces les plus connues. Chacun se compose d’un groupe de boîtes de même profondeur en tôle galvanisée, dépassant du mur pour créer une colonne d’éléments régulièrement espacés. Mais Judd, qui a commencé comme peintre, était tout aussi intéressé par la couleur et la texture que par la forme, comme le montre ici la laque de carrosserie teintée de vert appliquée sur la face avant de chaque boîte. L’interaction de la couleur et du matériau de Judd donneUntitled (Stack) une élégance fastidieuse qui adoucit son absolutisme abstrait.
20. Eva Hesse, Raccrochez, 1966
Comme Benglis, Hesse était une femme artiste qui a filtré le postminimalisme à travers un prisme sans doute féministe. Juive qui a fui l’Allemagne nazie lorsqu’elle était enfant, elle a exploré les formes organiques, créant des pièces en fibre de verre industrielle, en latex et en corde qui évoquaient la peau ou la chair, les organes génitaux et d’autres parties du corps. Compte tenu de son parcours, il est tentant de trouver un sous-jacent de traumatisme ou d’anxiété dans des œuvres comme celle-ci.
21. Richard Serra, One Ton Prop (House of Cards), 1969
À la suite de Judd et Flavin, un groupe d’artistes s’est éloigné de l’esthétique des lignes épurées du minimalisme. Dans le cadre de cette génération postminimaliste, Richard Serra a mis le concept d’objet spécifique sur les stéroïdes, en élargissant considérablement son échelle et son poids, et en intégrant les lois de la gravité à l’idée. Il a créé des équilibres précaires de plaques d’acier ou de plomb et de tuyaux pesant dans les tonnes, ce qui a eu pour effet de donner un sentiment de menace à l’œuvre. (À deux reprises, des gréeurs installant des pièces de Serra ont été tués ou mutilés lorsque le travail s’est effondré accidentellement.) Au cours des dernières décennies, le travail de Serra a adopté un raffinement curviligne qui l’a rendu extrêmement populaire, mais au début, fonctionne comme One Ton Prop (House of Cards), qui comporte quatre plaques de plomb accolées, communiquait ses préoccupations avec une brutale franchise.
22. Robert Smithson, Spiral Jetty, 1970
Suivant la tendance générale contre-culturelle des années 1960 et 1970, les artistes ont commencé à se révolter contre le mercantilisme du monde des galeries, développant des formes d’art radicalement nouvelles comme les terrassements. Aussi connu sous le nom de land art, la principale figure du genre était Robert Smithson (1938-1973), qui, avec des artistes tels que Michael Heizer, Walter De Maria et James Turrel, s’est aventuré dans les déserts de l’ouest des États-Unis pour créer des œuvres monumentales qui agi de concert avec leur entourage. Cette approche spécifique au site, comme on l’a appelée, utilisait souvent des matériaux directement issus du paysage. Tel est le cas de la Spiral Jetty de Smithson , qui s’avance dans le Great Salt Lake de l’Utah depuis Rozel Point sur la rive nord-est du lac. Fait de boue, de cristaux de sel et de basalte extraits sur place,Spiral Jetty mesure 1 500 pieds sur 15. Il a été submergé sous le lac pendant des décennies jusqu’à ce qu’une sécheresse au début des années 2000 le ramène à la surface. En 2017, Spiral Jetty a été nommée œuvre d’art officielle de l’Utah.
23. Louise Bourgeois, Spider, 1996
Œuvre emblématique de l’artiste d’origine française, Spider a été créée au milieu des années 1990 alors que Bourgeois (1911-2010) avait déjà 80 ans. Il existe dans de nombreuses versions d’échelle variable, dont certaines monumentales. Spider se veut un hommage à la mère de l’artiste, restauratrice de tapisserie (d’où l’allusion à la propension de l’arachnide à filer des toiles).
24. Antony Gormley, L’Ange du Nord, 1998
Lauréat du prestigieux Turner Prize en 1994, Antony Gormley est l’un des sculpteurs contemporains les plus célèbres du Royaume-Uni, mais il est également connu dans le monde entier pour sa vision unique de l’art figuratif, dans lequel de grandes variations d’échelle et de style sont basées. pour la plupart, sur le même gabarit: Un moulage du corps de l’artiste. C’est vrai pour cet énorme monument ailé situé près de la ville de Gateshead dans le nord-est de l’Angleterre. Situé le long d’une autoroute principale, Angel s’élève à 66 pieds de hauteur et s’étend sur 177 pieds de largeur du bout d’aile au bout d’aile. Selon le Gormley, l’œuvre se veut une sorte de marqueur symbolique entre le passé industriel de la Grande-Bretagne (la sculpture est située dans le pays charbonnier de l’Angleterre, au cœur de la révolution industrielle) et son avenir post-industriel.
25. Anish Kapoor, Cloud Gate, 2006
Affectueusement appelée «The Bean» par les habitants de Chicago pour sa forme ellipsoïdale courbée, Cloud Gate , la pièce maîtresse de l’art public d’Anish Kapoor pour le Millennium Park de Second City, est à la fois une œuvre d’art et une architecture, offrant une arche prête pour Instagram aux promeneurs du dimanche et aux autres visiteurs du parc. . Fabriquée en acier miroir, la réflectivité et la grande échelle de Cloud Gate en font la pièce la plus connue de Kapoor.
26. Rachel Harrison, Alexandre le Grand, 2007
Le travail de Rachel Harrison combine un formalisme consommé avec un talent pour imprégner des éléments apparemment abstraits avec de multiples significations, y compris politiques. Elle questionne farouchement la monumentalité et la prérogative masculine qui va avec. Harrison crée l’essentiel de ses sculptures en empilant et en arrangeant des blocs ou des dalles de styromousse, avant de les recouvrir d’une combinaison de ciment et de fioritures picturales. La cerise sur le gâteau est une sorte d’objet trouvé, seul ou en combinaison avec d’autres. Un excellent exemple est ce mannequin au sommet d’une forme allongée éclaboussée de peinture. Portant une cape et un masque d’Abraham Lincoln tourné vers l’arrière, l’œuvre renvoie la théorie des grands hommes de l’histoire avec son évocation du conquérant du monde antique debout sur un rocher de couleur clown.
